In den vergangenen Jahrhunderten wurde mit Kunst ein breites Spektrum an individuellen und sozialen Wirkungen in Zusammenhang gebracht: Sie sollte lehrreich sein, einen Sinn des Erhabenen vermitteln, die Wahrnehmung schulen oder das Leben verschönern. Nachhaltigkeit in Kunsterfahrungen zu suchen, erscheint implizit wünschenswert, fragt man aber nach ihren konkreten Manifestationen, wird der Diskurs problematisch. Die Wirkung ästhetischen Erlebens ist in der Regel weder quantifizierbar noch nachweisbar - im Gegensatz etwa zur Nachhaltigkeit eines politischen Instruments. Neben heuristischen Schwierigkeiten (Seite der Kunstwirkungsforschung) existieren außerdem idealistisch motivierte und konzeptuelle Vorbehalte seitens der Kunsttheorie und vieler KünstlerInnen: Können letztere überhaupt eine bestimmte Wirkung beim Publikum anstreben ohne ihre Mittel zu instrumentalisieren und somit das Primat des zweckfreien und offenen Kunstwerks in Frage zu stellen?

Die Annäherung an Fragen der Nachhaltigkeit wird in diesem Seminar nicht von Seiten der Kunstvermittlung oder Kunstpädagogik unternommen: Es wird nicht nach Antworten gesucht, wie Kunstwerke dem Publikum zugänglicher gemacht werden können. Ebenso werden kunst-externe Wirkungen (wie kommerzielle Funktionen von Kunstwerken) nur eine untergeordnete Rolle spielen. Entscheidend sind Fragen nach Form, Inhalt und Präsentationskontext der Werke selbst: Was erhält Aufmerksamkeit, was bleibt nach dem Museums- oder Galeriebesuch im Gedächtnis, was wird reflektiert? Und: Welche Quellen und Techniken können, angesichts der methodischen Problematik, eine Ahnung darüber vermitteln, wie Kunstwerke ihr Publikum verändern?

KünstlerInnen sind besonders privilegiert, sich frei bei den unterschiedlichen Methoden, Materialien, Konzepten und Innovationen anderer Disziplinen bedienen zu können. So gesehen ist zwar ein großer Teil der zeitgenössischen Medien-, Installations- und Aktionskunst inhärent multi-disziplinär; dieses Charakteristikum wird jedoch oft als Inter-disziplinarität missverstanden. Roland Barthes stellte bereits 1972 fest, dass es, um im wahrsten Sinne des Wortes, inter-disziplinär zu handeln, erforderlich ist, ein ‘Objekt zu schaffen welches niemandem gehört’. Dies bedeutet für Kunstwerke, die den Anspruch erheben, interdisziplinär zu sein, auch auf viele ihrer eigenen typischen Kontexte zu verzichten - nämlich solchen, die beim Publikum das Bewusstsein auslösen, ein Objekt der ‘Kategorie Kunst‘ zu sehen. Sollte dies gelingen, wären Probleme der Fetischisierung von Kunst und Formen der Betrachtung unter Prämissen des sozialen und kulturellen Prestiges ebenso suspendiert wie die weiterhin verbreitete Frage »Was wollte uns der Künstler damit sagen?«. Mit Theodor Adorno lässt sich die Liste um die ökonomischen Dimensionen der Kunst und das Problem der ‘Bewunderung für das Genie’, erweitern. Ein solches Konzept hat seine Wurzeln in den klassischen Avantgarden der Dadaisten, Surrealisten und der Situationalistischen Internationalen und setzt sich in der zeitgenössischen Interventionskunst fort.

Ich schlage in diesem Seminar eine interdisziplinäre Praxis der Kunst vor, die die Grundsätze der Interdisziplinarität mit den Zielen der Interventionskunst verbindet und stelle diese zur Diskussion. Es wird danach gefragt werden, was ein wirklich interdisziplinäres Objekt ausmacht (und ob dieses eine Utopie bleiben muss), wo es auftauchen könnte und wie es rezipiert werden würde. Mit dem Arbeitsbegriff Unsichtbare Kunst soll analysiert werden, ob Interdisziplinarität als ein genuines Genre der Kunst betrachtet werden kann. Schließlich ist das Ziel, mit den SeminarteilnehmerInnen an der Erarbeitung einer Plattform zu arbeiten, auf die KünstlerInnen aufbauen können, eine Plattform künstlerischer Praxis die nur im Dazwischen disziplinären Grenzen existiert und das Publikum überrascht und herausfordert, da es vor allem einem "merkwürdigen Phänomen" begegnet und keinem Objekt, das sich spontan (als Kunst) kategorisieren lässt.